Rysunek

Wszystko o martwej naturze

Wszystko o martwej naturze


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Malowanie martwej natury

Gatunek malarstwa martwej natury jest tak różnorodny, jak jego historia jest długa. Od czasów Egipcjan, kiedy na ścianach grobowca były przedstawiane obrazy żywności i kosztowności, mozaiki podłogowe i malowidła ścienne Pompei, dzieła sztuki z okresu Wysokiego Renesansu, aż po współczesne malarstwo martwej natury, gatunek ten zawsze był miejscem, do którego zwracają się artyści znowu i znowu.

Przedmioty, do których przyciągają malarze martwych natury, są równie różnorodne, od przedmiotów ze świata przyrody po przedmioty wykonane ludzkimi rękami. Dzięki nim kompozycje sztuki martwej wyrażają idee dotyczące luksusu i nadmiaru, symboliki religijnej, osobistych i alegorycznych poszukiwań oraz uniwersalnych ludzkich refleksji na temat życia i śmierci.

Praktyka plastyczna martwej natury jest tym, do czego artyści zobowiązali się przez stulecia, ponieważ wszystkie podstawowe elementy sztuki można badać, w tym kolor, formę, kompozycję i światło. Artyści mogą spojrzeć na ten wyjątkowy gatunek, szukając odpowiedzi, które malarze na zawsze próbują znaleźć.

Zdobądź bezpłatny eBook z technikami malowania martwej natury! DARMOWE i wyłącznie dla subskrybentów eNewsletter Artist Daily. Wpisz swój adres e-mail w polu poniżej, aby otrzymać bezpłatny eBook oraz e-biuletyny na temat porad dotyczących malowania martwych natur i nie tylko!

[fw-capture-inline campaign = ”RCLP-potwierdzenie-martwa natura-malowanie” dzięki = „Dziękuję za pobranie!” zainteresowanie = „Sztuka” oferta = ”/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf”]

Demo Malarstwo olejne Martwa natura

Ismael Checo wykorzystuje bogatą kolorystykę, aby stworzyć egzotyczne i intensywne doznanie świata. Prezentujemy tutaj ekskluzywną demonstrację malarstwa martwej natury jako przykład jego techniki malowania olejnego.

Materiały Checo

Paleta

Farby olejne różnych producentów, w tym Holbein, Winsor Newton i Gamblin

Szczotki

Szczotki z włosia i soboli różnych producentów

Wsparcie

Przeważnie płótno zagruntowane ołowiem, a czasami panel wykonany z płyty MDF zagruntowanej akrylowym gesso od Liquitex

Średni

Mieszanina olejku z terpentyny z gumy

Lakier

Jako ostateczny lakier, syntetyczny lakier Rembrandt od Talens

Krok 1
Artysta zaczyna od rysowania z mydłem wykonanym z ultramarynowego błękitu, spalonej siennej i płatkowej bieli. Cienie są spłukiwane, aby stworzyć prosty rendering uosobienie obiektu w najprostsze i najczystsze kształty.
Krok 2
Za pomocą pędzla z włosia artysta nakłada kolory szerokimi pociągnięciami, aby ustalić główne relacje w kompozycji.
Krok 3
Pracując powoli i zwracając szczególną uwagę na wrażenie kolorów w każdym punkcie obrazu, artysta tworzy proste, wyraźne stwierdzenia mieszając i umieszczając jeden kolor na raz. Artysta jest skłonny nieco przesadzić nasycenie koloru ze świadomością, że będzie mógł później wrócić i dodać szarość w razie potrzeby. Mimo, że artysta robi trochę mieszania i szorowania pędzlem, jest ostrożny, aby nie przepracować obrazu.
Krok 4
W niektórych przypadkach pod koniec obrazu artysta zmieni się w pędzel sobolowy, aby osiągnąć delikatniejszą i lepiej oddaną gotową pracę.Ukończone malowanie: Demonstracja martwej natury2003, 10 x 15½. Kolekcja artysty.

Wyznaczanie standardu sztuki martwej natury

Holenderskie malowanie martwej natury ustanowiło standard wirtuozerii nie z tego świata w 17th wieku, i nigdy nie ominie mnie niezwykła mieszanka przedmiotów, które ci artyści postanowili przedstawić: wszelkiego rodzaju potraw, polerowanego srebra i lśniącego szkła, haftowanych i mocno obrobionych obrusów oraz ton kwiatów.

Czasem zapominam o tym, jak symboliczne były te wszystkie obiekty dla publiczności, która miała okazję je obejrzeć wszystkie lata temu. Warto również zauważyć, że artyści często celowo wybierali przedmioty, które mogą stanowić wyzwanie do malowania jako sposób na pokazanie swoich umiejętności malarskich.

Cała ta symbolika i chęć popisania się zaowocowały powstaniem wielu obrazów, które wyglądają ponad szczytem i są trochę nierealne. Weźmy na przykład malowanie kwiatów martwej natury. Malowanie kwiatów było popularnym tematem w złotym wieku malarstwa holenderskiego. Symbolicznie artyści i widzowie byli zainteresowani naturą istnienia kwiatu - od świeżo ściętego i kwitnącego po więdnięcie i umieranie - z powodu dorozumianej „moralnej” lekcji stojącej za dziełem, a mianowicie, że życie jest ulotne, a śmierć, pewność.

Ale świeże kwiaty na obrazie były również znakiem najwyższego luksusu. Podczas 17th stulecie, posiadanie bukietu kwiatów było praktycznie niespotykane nawet w najbogatszych domach. W rzeczywistości w większości holenderskich domów kwiaty nie były wyświetlane w sposób, do jakiego jesteśmy przyzwyczajeni. Zamiast tego kwiaty były prezentowane jeden po drugim w małych wazonach lub uchwytach na tulipany zaprojektowane specjalnie do przechowywania stosunkowo niewielu kwiatów.

Zdobądź bezpłatny eBook z technikami malowania martwej natury! DARMOWE i wyłącznie dla subskrybentów eNewsletter Artist Daily. Wpisz swój adres e-mail w polu poniżej, aby otrzymać bezpłatny eBook oraz e-biuletyny na temat porad dotyczących malowania martwych natur i nie tylko!

[fw-capture-inline campaign = ”RCLP-potwierdzenie-martwa natura-malowanie” dzięki = „Dziękuję za pobranie!” zainteresowanie = „Sztuka” oferta = ”/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf”]

Tworząc ten rodzaj ostentacyjnego malarstwa kwiatowego, który przedstawiał niesamowite bukiety, których większość widzów nigdy nie mogła mieć nadziei na zobaczenie osobiście lub w domu, artyści osiągnęli dwie rzeczy: po pierwsze, wskazując na sztuczność takich pokazów jako przypomnienie tego życia nie chodzi tylko o luksus, a przechowywanie takich rzeczy to marnotrawstwo. Ale obalali też to przesłanie - przede wszystkim pokazując tak piękne bukiety, bardzo pokusili widzów, by kupili obraz, w gruncie rzeczy przekazując ideę, że nie można mieć takich luksusów w prawdziwym życiu, ale ten obraz da im tobie i kwiaty na tym obrazie nigdy nie umrą.

Dla nas, aby kontynuować tradycję malarstwa holenderskiego i być częścią tego wciągającego i fascynującego gatunku życia stii, naprawdę rozumiemy motywację sztuki i techniczne wykonanie, które zajęło jej dotarcie do tych niesamowitych prac końcowych i prace nad malarstwem Fundacja musimy mieć własne artystyczne złote wieki.

Punkty kontaktowe podczas malowania martwych natur

Decyzja o tym, gdzie umieścić elementy w obrazie, może być trudna, ale decyzje są kluczowe dla stworzenia udanej martwej natury. Kiedy kompozycja jest dobrze wykonana, może pozostać niezauważona; jednak źle skomponowany utwór natychmiast rzuca się w oczy widza jako niezręczny. Celem kompozycji martwej natury jest skierowanie oka widza przez obraz i poprowadzenie go w kierunku tego, co zdaniem artysty jest ważne. Chociaż nie ma jednego właściwego sposobu, aby to zrobić, istnieją specjalne urządzenia, które można zastosować, aby przyciągnąć wzrok widza do interesującego miejsca, a także stworzyć iluzję obiektów istniejących w namacalnej przestrzeni.

Wielu początkujących malarzy zwykle poświęca swoją energię na dokładne rysowanie i malowanie obiektów i trudno jest stworzyć silną kompozycję. „Łatwo jest ogarnąć wszystkie możliwości”, mówi instruktor-artysta James Sulkowski, który prowadzi warsztaty plenerowe, aby pomóc uczniom przezwyciężyć lęk przed podejmowaniem decyzji. Niektórzy instruktorzy artystów sugerują używanie wizjera, który wielu artystów stosuje w obliczu dużej sceny. Wizjer można kupić w dowolnym sklepie z artykułami artystycznymi lub zrobić prosty z tektury. Niezależnie od materiału służy on temu samemu celowi: wizjer pozwala artyście izolować kluczowe elementy sceny, a także przeglądać wiele kompozycji, zanim zabierze się do pisania.

W obliczu dużej sceny pomocne jest zadanie kilku pytań. Dlaczego chcę pomalować tę scenę? Co mnie początkowo pociągało? Jakie treści są potrzebne, aby przyciągnąć widza i sprawić, by poczuł to, co ja? Po udzieleniu odpowiedzi na te pytania staje się jasne, że dana scena nie jest osadzona w kamieniu. Artysta może zmieniać scenę, aby dopasować ją do emocji lub przesłania, które chce przekazać widzowi. Portret martwej natury ma pobudzić wyobraźnię i pobudzić zmysły; powinien to być obraz, który błaga o pomalowanie lub narysowanie. Jeśli określony obszar lub zdjęcie nie jest atrakcyjne, zmień lokalizacje lub wybierz alternatywne tematy. Lub można mocno przyciąć scenę i skupić się na drobnych szczegółach, które często pozostają niezauważone w dużej scenie.

Sułkowski zaleca uczniom określenie punktu centralnego przed nałożeniem pędzla na płótno. „Bez względu na okoliczności artysta musi zidentyfikować punkt centralny swojego malarstwa, a następnie ustrukturyzować proces malowania, aby widz natychmiast zrozumiał centrum zainteresowania. Podczas malowania na wolnym powietrzu bardzo ważne jest, aby pamiętać o tym, aby czas i energia nie były marnowane na opracowywanie obszarów płótna, które mają drugorzędne znaczenie ”. To samo dotyczy malowania martwej natury.

Gayle Levée, instruktorka i artystka z Nashville, spędza godziny warsztatowe, układając elementy, aby stworzyć najlepszą kompozycję. Radzi, aby początkowo zgromadzili więcej przedmiotów, niż sądzą, że będą potrzebować w swoich martwych grafikach, a następnie wybiorą jeden jako punkt centralny. „Najpierw umieść ten obiekt, a następnie umieść wokół niego elementy podtrzymujące” - sugeruje. Podczas malowania martwej natury Levée zaczyna od punktu centralnego i dokonuje pomiarów na płótnie proporcjonalnie do centrum zainteresowania.

W jej malarstwie Refleksje w złocie, Levée stosuje zasadę trzeciej części, aby zwrócić uwagę widza na wazon i owoce (zobacz pokaz utworu). Jest to jedno z kilku urządzeń, które mogą przyciągnąć uwagę widza do centrum zainteresowania. Ta zasada stosowana w malarstwie i fotografii ma na celu uzyskanie bardziej estetycznej kompozycji. Zaleca się, aby artyści podzielili płótno na trzy sekcje zarówno w poziomie, jak i w pionie, i umieścili środek zainteresowania w punkcie przecięcia lub w górnej lub dolnej trzeciej części ramy. W ten sposób punkt centralny jest usuwany z „martwego środka” płótna, a oko widza jest prowadzone przez całą przestrzeń. Po ustaleniu punktu centralnego określenie emocji lub przekazu, które przywoła, pomoże zdecydować, które z wyżej wymienionych narzędzi najskuteczniej opowiedzą przejrzystą i sugestywną historię wizualną.

Prawdziwa cisza w martwym życiu

Sarah Siltala maluje przede wszystkim martwe natury i krajobrazy, chociaż czasami rysuje postacie na węglu drzewnym, aby doskonalić swoje umiejętności rysunkowe. „Inspiruje mnie natura i jej obfite dary, niezależnie od tego, czy są to owoce, kwiaty, chmury, drzewa czy ptaki” - mówi. „Widzenie piękna wszędzie inspiruje mnie do malowania”. Nie jest to zaskakujące, biorąc pod uwagę, że artysta dorastał otoczony malowniczym krajobrazem Nowego Meksyku, który od dziesięcioleci przyciąga plenerowych artystów z całego świata. Czasami inspiracja uderza ją natychmiast, a innym razem musi przemyśleć jakiś temat, zanim zostanie poruszona, aby go namalować.

Siltala często zwraca się do swojego szkicownika, w którym przechowuje różne rysunki, pomysły i obrazy, które ją inspirują podczas przygotowań do malowania. Sporo czasu spędza na określaniu składu swoich martwych obrazów, starając się stworzyć w jej twórczości poczucie spokoju i spokoju. „Nie pociągają mnie zapracowane kompozycje” - mówi. „Zamiast tego koncentruję się na jednym lub dwóch głównych pomysłach. Konfigurując moje martwe natury, przestawiam i zwykle usuwam obiekty, aby na pewno uchwycić optymalne światło i cień w ostatecznym obrazie. ” Kiedy jest zadowolona z aranżacji martwej natury, robi kilka zdjęć swojej ostatecznej konfiguracji w celach informacyjnych w studio. Często pracuje nad więcej niż jednym obrazem na raz, co sprawia, że ​​niemożliwe jest ustawienie każdego martwego obrazu podczas całego procesu malowania.

Po wycięciu i wymiarowaniu swojego drewnianego panelu nakłada gesso, a następnie szkicuje swoją kompozycję na węglu drzewnym. Zaczyna malować jasnymi praniami, powoli budując kolor. Jeśli miałbyś obejrzeć demo martwej natury od Siltali, zobaczyłbyś ją pracującą w stylu Starych Mistrzów, budującą warstwę po warstwie przezroczystych szkliw. Jako inspiracje cytuje Corota, Rembrandta i Innessa. Bez względu na rozmiar swojej powierzchni, kawałki Siltali wymagają całych tygodni, ponieważ każda warstwa musi całkowicie wyschnąć, zanim będzie można nałożyć kolejną - nawet jeśli używa alkidowego środka do przyspieszenia procesu suszenia.

„Często bawię się każdą warstwą, kiedy ją kładę, wciskając w nią gąbki, zmiętą tkaninę lub folię i zdejmując część mokrej glazury, aby odsłonić poprzednią warstwę”, zauważa artysta. „Po zabawie z kilkoma warstwami w ten sposób powstaje impresjonistyczne pole kolorów z prześwitującymi plamkami poszczególnych warstw kolorów.” Siltala uważa ten etap budowy warstwy za medytacyjny, ponieważ wymaga ona spokojnej i powolnej pracy, polegając na cierpliwości, gdy każda warstwa farby wysycha. „To bardzo przyjemna równowaga w moim gorączkowym stylu życia wychowywania dwóch młodych chłopców” - mówi. „Życie toczy się bardzo szybko i wierzę w poświęcenie czasu na wyżywienie ducha. Zawsze jestem podekscytowany, gdy mecenasi rozpoznają uczucie spokoju w moich obrazach, ponieważ uchwycam to, co naprawdę staram się wyrazić w mojej pracy: cichą chwilę spokoju, piękna i prostoty w często chaotycznym świecie ”.


Obejrzyj wideo: Malarskie tradycje martwej natury w fotografii (Czerwiec 2022).


Uwagi:

  1. Tano

    Zostaw mnie w spokoju!

  2. Bealantin

    Pragnę z tobą porozmawiać na ten temat.

  3. Vuzilkree

    Dokładnie masz rację

  4. Iskinder

    Moim zdaniem przyznajesz błąd. Mogę to udowodnić. Napisz do mnie w PM, porozmawiamy.



Napisać wiadomość